En La Frontera

Meridiano Vía Límite Shanghai

2011-09-06T20:18:00.000+02:00

Nurse with Wound en las Lofoten

2011-08-30T21:50:00.000+02:00

Meridiano en Via Límite Edu Comelles

2011-08-17T10:23:00.002+02:00

Un paseo por el País de las naranjas de la mano de Edu Comelles y un breve retrato sonoro del litoral asturiano de Juanjo Palacios.

Conrad Schntitzler. The End Best

2011-08-06T15:37:00.004+02:00

En Noviembre del 2009 y como uno de los primero programas de Vía Límite, realicé este especial sobre Conrad Schnitzler. Por desgracia no existe podcast. Como fuere, me ha parecido que reproducir el guión podía ser un homenaje adecuado cuando se ha confirmado su muerte:

Desde el principio de Vía Límite uno de los músicos a los que pensaba dedicar un monografico era Conrad Schniztler (1937 Düsseldorf). De todos los alemanes de la generación del Krautrock, Schnitzler siempre me ha parecido una de las personalidades con mayor visión de futuro pero más en sintonía con su tiempo. El hecho de que no haya parado de hacer música o sonidos en los últimos cuarenta años y que las reediciones se mezclen con los nuevos trabajos o recuperaciones casi arqueológicas de antiguas cintas, produce además una agradable sensación de imprevisibilidad que ayuda a no encasillar a Schnitzler un ningún tipo de género mas que la Mítica Personal, para usar una expresión utilizada por el mismo.

Bueno, ahora hay una buena excusa porque la última re-edición de Schnitzler es tremenda y encima contiene su trabajo dedicado a España, que ya es rara historia. Pero tampoco vamos circunscribirnos a esta re-edición. Schnitzler ha hecho demasiadas cosas y tiene demasiada historia como para resumirlo en estos cinco cedés.

La confusión comienza ya con la pregunta de cual fue su primer trabajo. Según el mismo Conny, hubo dos al mismo tiempo: el primero de Kluster y el primero de Tangerine Dream, Kluster, con K, era una colaboración con Moebius y Roedelius (que luego siguieron como Cluster con C). La cosa es bastante genial porque ese primer disco, Klopfzeichen fue editado por una parroquia a través del organista de la misma, el cual explico que eso si, debían poner alguna voz religiosa en la primera cara. Así lo hicieron y aunque Schnitzler diga que mejor es no entender lo que dice, lo cierto es que no está tan mal y acaba en un Mea Culpa muy curioso. Lo que hecho es pegar parte de la primera cara Vocal con parte de la segunda para hacernos una impresión de que va la cosa

03 kluster klopfzeichen

Lo de Tangerine Dream fué el disco Eelectronico Meditation, con Klaus Schulze y Edgar Froese. Sorpredentemente, se entendia mejor con Froese que con Schulze, por entonces guitarrista y batería, respectivamente. Conny tocaba el chelo (autodidacta) y electrónica. A pesar de no quedar muy contento con el resultado, un disco capital en la historia de la nueva electrónica europea, aunque por aquí aún no apareciera ningún sintetizador.

04 tangerine dream- electronic meditation- 01 genesis

Ahora toca Conny en solitario. Aunque apareció mucho más tarde, Con 72 marcó el encuentro de Conny con el EMS Sinthi A, un sintetizador ingles absolutamente genial, interesante de manejar y que encima cabía en una maleta. Con el Schnitzler comenzó más propiamente su carrera electrónica pura y el disco también define su modus operandi: tocar todo botón y dial a ver lo que sucede. La cara A, que escucharemos dura unos 22 minutos. A mi no me parece una de sus mejores cosas, pero ¡oiga! Es histórica

05 Conrad Schnitzler - Con '72 - side A

Posiblemente lo que vayamos a escuchar formaría parte de mis diez discos para una isla desierta y concretamente esta pieza que vamos a escuchar es una muestra de como con dos de pipas, es decir, reverberación, eco y cuatro sonidos bien seleccionados se puede hacer gran música. Una gran parte de la música de Conny se podría llamar ahora minimalista, pero no creo que el reduccionimo, el minimalismo cualquier otro ismo hayan ocupado uno solo de sus pensamiento. Más bien parece que descubre algo y lo explota hasta la saciedad. Eso hizo en Electric Garden de su album Con de 1978 (cuidado porque hay otros Con, como el 72, el 83...)

06 01 - conrad schnitzler - electric garden

Lo que viene a continuación es una absoluta curiosidad. Por alguna razón que se me escapa, Schnitzler era a principios de los años 80 un referente para el llamado industrial, lo que como veremos, tuvo consecuencias españolas. Luego, andando los años, quienes se hicieron grandes fans de este hombre fueron varios grupos de Death Metal, entre ellos uno de los más conocidos, Mayhem. Como no le duelen prendas, Conny hizo la introducción de su disco Deathcrush. Un poco demasiado marcial, pero lo divertido es que incluso aquí Conny no puede evitar saltarse las normas a la torera

07 01 - silvester anfang

Y así llegamos a esta re-edición japonesa de Captain Trip Records, (8-CD box set)

con algunos de sus discos de los ochenta. Uno de ellos es Control (el juego con a primera sílaba de su nombre). De aquí he elegido una pieza digamos que orquestal. En realidad podría llamarse de cámara comparada con el Concierto que también aparece en esta re-edición.

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Y en esta re-edición tenemos también sus dos discos españoles Consequenz 2 y Congratulacion

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"Lo que yo hago es sonido puro. Y no me expreso de ninguna manera al hacerlo. Más bien me expreso cuando los escucho de nuevo y tengo una hora de felicidad. Pero yo no hago música para películas, ni siquiera películas en tu cabeza, ni siquiera para los recuerdos". Conrad Schnitzler

Vía Limite Chris Watson Cima Verde

2011-08-03T07:58:00.000+02:00

Meridiano Vïa Límite. Into India Hildegard Westerkamp

2011-07-25T20:42:00.002+02:00

Oslo y la vergüenza en España

2011-07-24T11:23:00.001+02:00

Poca cosa, solo absolutamente avergonzado por los comentarios de la caverna hispana cuando, tras adjudicar el atentado de Noruega a los islamistas y haber exigido las medidas más brutales contra los musulmanes, se encuentra con que el sujeto es un fundamentalista cristiano de extrema derecha y masón. No lo querrán entender, pero es precisamente esa actitud de odio irracional que propagan la que ha guiado la mano del asesino de Oslo.

Meridiano en Vía Límite Agua, Australia

2011-07-18T16:34:00.002+02:00

¿Por qué no bello?

2011-07-18T10:44:00.000+02:00

Hace unos días, en la anual exposición Inéditos de tres comisarios más o menos nveles que tiene lugar en La Casa Encendida de Madrid, tropecé con Pedro Portellano, que ha comisariado “Después del silencio” y Guillermo Paneque, artista y agitador desde finales de los 80. Pedro le estaba explicando a Guillermo, con aire de cierta preocupación, que la sala le había quedado “casi demasiado bonita”. La pregunta es ¿por qué el arte contemporáneo no puede ser bonito?

A lo largo de la historia y cabe pensar que de la prehistoria, los humanos hemos considerado la belleza como un atributo positivo. Ha habido diferencias enormes y grandes discusiones sobre la idea de esa belleza a través del tiempo y de las culturas, pero lo bello estaba muy bien considerado.

Sin embargo y partir quizás de los realistas del XIX, con Courbet a la cabeza, la idea de belleza pasó lentamente a ser casi anatemizada. No solo ella. Palabras como divertido, entretenido, emocionante, dramático, curioso, misterioso, agradable o espectacular, usadas de forma cotidiana por el común de los mortales, han desaparecido de cualquier discusión artística que se precie. Las palabras correctas, desde hace ya más de medio siglo, vienen siendo inteligente o potente, aunque en realidad bastaría con una: interesante (conceptualmente interesante, esto es).

En realidad, se trata de una hiper-reacción al idealismo de la segunda mitad del siglo XIX, muy directamente ligado al imperialismo que exigía una imagen casi paradisiaca tanto de las colonias como de una metrópolis donde, al mismo tiempo, se estaba produciendo la llamada revolución industrial. Una época especialmente bárbara de la humanidad.

Sin embargo, el arte clásico no tenía por qué ser bello, ni dejar de serlo. Dependía del sujeto, de la intención. El mismo Laocoonte es maravilloso, pero resultaría algo peculiar llamar bello a ese sufrimiento. Seguramente los grifos románicos y góticos tampoco pasaban por bellos, como tampoco el Desollamiento de Marsías de Tiziano. Así podríamos seguir hasta Goya o Gericualt… Se suponía que el ingenio humano era capaz de generar todo tipo de sentimientos/sensaciones, aunque, evidentemente, el Poder siempre haya preferido un arte pulido que representara simbólicamente lo justo y provechoso de su sistema.

Desde mi punto de vista, todas esas expresiones desterradas de la discusión artística son simples puertas de entrada a terrenos polísémicos que pueden llegar a ser todo lo complejos e interesantes que los artistas consideren necesario y sean capaces de desarrollar. Habrá quien se quede en lo puramente retiniano, habrá quien solo sienta determinado placer o se sienta conmovido. Y habrá quienes atraviesen diversas capas de significado integrando ese viaje intelectual, pero también emocional y sensible en su experiencia vital.

Cerrar puertas es lo que han venido haciendo muchas artes desde al menos Adorno quien, con todas sus aportaciones, nunca supo desligarse de un concepto elitista de la cultura que floreció en ese siglo XIX. Y ahora hemos llegado a un punto donde de la torre de pórfido de puertas cerradas comienza a entenderse como un gasto superfluo en esta era de capitalismo especulativo salvaje. Tal y como estamos, o se abren las puertas o la misma torre se vendrá abajo.

Meridiano en Vía Límite Sven Kacirek, The Kenya Sessions

2011-07-14T10:19:00.001+02:00

En esta ocasión saltamos a Kenia con Sven Cacirek

Aquí el link

Un respeto para los museos

2011-07-11T20:20:00.003+02:00

Estaba bastante molesto con el nombramiento digital de una abogada para dirigir el Museo de Bellas Artes de Valencia cuando el presidente del Consejo de Críticos y Comisarios, José Luis Pérez Pont hizo una llamada a opinar sobre el desaguisado. Mi aportación salió el sábado en el Diario de Levante.

Aquí el link

La ministra y Teddy

2011-07-05T00:52:00.002+02:00

La ministra de Cultura comparece ante el congreso para repetirnos algo sobre la presunción de inocencia y explicar que los controles sobre la SGAE, no solo son adecuados, sino admirables. Sería de lo más sorprendente que diga (haya dicho) otra cosa.

¿Podemos preguntarnos si encarará alguna de las siguientes cuestiones?

¿Tiene el estado potestad para intervenir en una sociedad en la que solo vota el 8% de sus socios?

¿Cómo no se aprovechó la introducción del Canon digital para que el Estado entrara a formar parte de la SGAE, entidad recaudadora y administradora?

¿Por qué el ministerio considera suficientes auditorías rutinarias en un entidad buena parte de cuya recaudación se distribuye en la más absoluta opacidad?

¿Por qué el ministerio ha venido haciendo caso omiso ante las infinitas denuncias emanadas desde todo tipo de medios públicos (blogs incluidos) con todo tipo de datos escandalosos?

¿Por qué el ministerio se ha dejado asesorar básicamente por una entidad como la SGAE, despreciando cualquier otra aportación que no viniera de la industria de la cultura?

La ministra, claro, no es la única mala de esta película. Todos los políticos, casi sin excepción han bailado al son que les marcaban Eduardo Bautista y sus homólogos de las otras industrias culturales. Pero la ministra es ministra hoy, y no puede escurrir el bulto. Se haría un gran favor a sí misma y a todos los ciudadanos.

Meridiano en Vía Límite Michael Prime Borneo

2011-07-04T23:09:00.001+02:00

Aquí comenzamos un nuevo programa, el hermano veraniego de Vía Límite. Dada la estación del año, las personas viajan, salen, se mueven más que en cualquier otra época. Es la estación de los Viajes. Y a eso se va a consagrar Meridiano. Viajaremos a lugares muy diferentes con escuchas muy distintas, algunas como grabaciones de campo, otras como interpretaciones del hecho viajero.

Hoy acompañamos al artista ecológico ingles Michael Prime hasta las selvas de Borneo, en una caza de los sonidos del ambiente y de los sonidos de las plantes. El álbum, llamado también Borneo, fue editado en Mycophile Records en 2007.

Podcast

Teddy Bautista en libertad con cargos

2011-07-03T20:14:00.002+02:00

En total están imputados de delitos que tienen como pena máxima 11 años en el caso de Teddy Bautista.

Añado aquí el auto de libertad porque me parece un documento con el cual cada persona puede hacerse su propia composición de lugar.

Auto de Libertad

Son culpables

2011-07-02T16:20:00.004+02:00

Esta es una historia que viene de largo. Una historia en la que unos pocos, detentadores de todo tipo de privilegios injustos, han tratado de imponerse a las personas, impulsadas por el viento de los tiempos.

Teddy Bautista está entre rejas y aunque no se tirará allí toda su vida, se trata de un bello caso de justicia poética. Pero ¡ah!, en vez de estarse calladas, la ministra socialista y la presidenta popular nos dicen ahora algo así como ha de respetarse la presunción de inocencia. Curiosa coincidencia de los extremos clientelistas de ambos partidos.

Pero no, Teddy Bautista y con el los Victor Manuel, Sisa, los Caco Senantes o Ramoncines de este mundo (quien ahora tiene el cuajo de asegurar que va a demandar a la SGAE) así como los periodistas que han venido lamiendo la mano de ex-Canario hasta el momento de su detención, son culpables. Incluso aunque no hubieran quebrantado la ley. Muy culpables.

Son culpables de mentir una y otra vez hablando en nombre de la cultura, cuando lo cierto es que los artistas han venido recibiendo únicamente el 10%-15% de lo recaudado por esa sociedad. Cantidad que, además se repartía de forma que, al final, unos 600 de los reclamados 80.000 socios de la SGAE recibieran el 75% de la recaudación. No, la SGAE, bajo el mandato de Teddy Bautista, se ha convertido en una organización en defensa de la industria de lo audiovisual y de unos cuantos amigos a quienes se les pagan bien sus servicios publicitarios.

Son culpables de haber parido una ley, la del Canon, que sobre injusta extrae de cualquier control público una tasa sobre el consumo empresarial y privado. Ese dinero, así como el fondo de derechos sin reclamar, estaban llamando a gritos a la corrupción y no vale que argumenten con las auditorias que sufren. Las auditorias, si no son judiciales, se han convertido en trámites vergonzosos. Ese dinero descontrolado se ha invertido en proyectos mayestáticos, compra de teatros o incluso palacios que en nada benefician a los artistas y no son socialmente necesarios.

Son culpables de haber montado una red recaudatoria con actitudes matonas y lindando en lo mafioso. Cobrando como aves de rapiña incluso en festivales benéficos, tabernas, fiestas populares y todo lugar donde sonara una música, incluso aunque fuera anónima bajo afirmaciones como "Si, es anónima, pero seguro que esa transcripción que está usted usando tiene derechos de autor".

Son culpables de haber castigado a todo un país cuando saben que el gran negocio de la descargas lo están haciendo las compañías de telefonía y los lugares de almacenamiento online. Pero como Teddy no estaba dispuesto a dar la batalla contra Telefónica (como principal proveedor de ADSL), el y sus acólitos decidieron lanzarse contra los desvalidos, las personas y las pequeñas empresas.

Son culpables de haber iniciado y sustentado la represión en la red para defender los intereses de un oligopolio y de unos cuantos vividores. El colega sueco de Bautista decía hace bien poco "Esta muy bien esto de la pornografía en Internet, esto nos permitirá convencer a los políticos de lo necesaria que es la represión".

Son culpables de habernos insultado, menospreciado, denunciado, estafado y, en algunos casos, de haber intentado meternos en la cárcel por el simple delito de ofrecer datos o expresar una opinión.

Teddy y sus amigos son culpables de todo esto y algunas cosas más. Encima, es más que posible que hayan estafado. Solo serían un poco más culpables.

Is the greek Communist Party trying to capilatize the protests?

2011-06-27T12:05:00.001+02:00

The greek Communist Party calls to the protest. What is the relationship between parties like this, trade unions and popular movements?

http://gu.com/p/3v6c3

Museo Picasso de Málaga, más allá de manía.

2011-06-24T11:25:00.004+02:00

La polvareda que se ha levantado en el Museo Picaso de Málaga (http://www2.museopicassomalaga.org/ ) no es simplemente la manía de una señora cuyo mayor tinte de gloria es haber sido nuera de Pablo Picasso. Tras el repudio a la exposición “Viñetas en el frente”, un excelente trabajo de contextualización de la obra de Picasso “Sueño y mentira de Franco” (no se puede ser más explícito en una referencia política) y la solicitud expresa de despido del director del Museo, José Lebrero, se esconde el mismo tipo de revisionismo histórico que tras el carcajeado Diccionario de la Academia de la Historia. Un revisionismo que encuentra su acicate en el muy torpe y pacato intento de recuperar la "memoria histórica", pero que posee sus propias dinámica y argumentación.

Desde las páginas de ABC, Gabriel Albiac trata de esbozar la linea ideológica que nutre la posición de la familia (¿?) Picasso (http://www.abc.es/20110622/opinion-colaboraciones/abcp-picasso-memoria-20110622.html ). En el, se viene a explicar que el arte carece de memoria y que por tanto, no puede ser utilizado más que en un contexto digamos que formalista. Con independencia de que ese tipo de aproximación a las artes dejó de existir hace mas de medio siglo y que Albiac da por axiomático lo que en realidad es una hipótesis muy débil, lo importante es comprobar como determinado conservadurismo equipara la "no memoria" a "negar la memoria". Nadie en su sano juicio puede pensar que Picasso no tuviera la política in mente cuando realizó "Sueño y mentira de Franco", pero eso es exactamente lo que ha sucedido en casos como este o el famoso diccionario.

Mas información y carta de apoyo al José Lebrero en http://www.porelarte.es/

Esto saldra en la pagina al pulsar leer mas

Vía Límite 2010 Un repaso 2 de 2

2010-12-27T11:25:00.004+01:00

Acaba el año y es una excusa como cualquier otra para hacer repaso. Soy un enemigo acérrimo de confeccionar listas de "lo mejor", aunque disfruto mucho leyendo las de los demás. Realmente es que no soy capaz de poner unas cosas por encima de otras, la verdad. Pero eso no significa ignorar los valores respectivos. En este y en el siguiente programa escucharemos 2,30 minutos de unos 40 discos que han pasado por Vía Límite en el 2010. No son los únicos, ni del único género, pero merecen mucho la pena. Esta es la segunda entrega.

alva noto - for 2

jeck, philip - an ark for the listener

robert wyatt, gilad atzmon, ros stephen - for the ghosts within

on - something that has form and something that does not

bill wells & stefan schneider- pianotapes

bvdub - the art of dying alone

graham lambkin & jason lescalleet - air supply

ryoji ikeda - Dataphonics

zeena parkins - between the whiles

masayoshi fujita & jan jelinek - bird, lake, objects

Reediciones

alvin curran - under the fig tree

catherine christer hennix - the electric harpsichord 1976

charlemagne palestine-strumming for harpsichord 1977

konrad becker - grand piano classics (80's)

christian marclay - records 1981-1989

moniek darge - soundies - selected work 1980-2001

thomas köner - nunatak gongamur 1990

pietro grossi - combinatoria 1960-1967

rolf julius - music for the ears - 1979

Aquí el PODCAST

Vía Límite 2010 Un repaso 1 de 2

2010-12-20T12:46:00.007+01:00

oneohtrix_point_never returnal

eleh location momentum

dolphins into the future the music of belief

brian eno small craft on a milk sea

keith fullerton whitman disingenuity disingenuousness

michael pisaro a wave and waves

ken ikeda kosame

o. ambarchi, j. o'rourke, k. haino tima formosa 2

oval oh

pansonic gravitoni

sun araw on patrol beat cop

taylor_deupree shoals

william basinski vivian & ondine

kevin drumm necro acoustic

zeitkratzer alvin lucier

jana winderen energy field

emeralds does it look like i'm here

billy bao urban disease

francisco lopez machines

magda mayas heartland

eleh location momentum

Aquí el PODCAST

Vía Límite Die Schachtel

2010-12-14T21:05:00.006+01:00

En varios de los últimos Vía Límite, hemos ido poniendo discos de un sello muy especial, Die Schachtel. Asi el Radio On de Christina Kubisch o el Electric Harpsichord de Catherine Crister Hennix, dos ejemplos paradigmáticos de lo que es la electrónica experimental que solo hoy empieza a considerarse clásica. Este programa esta dedicado a una iniciativa sin ánimo de lucro que descubre sonidos clásicos contemporáneos, no solo norteños y una amplia actividad en otros terrenos.

Aquí el PODCAST

Adiós maestro Morente

2010-12-14T11:36:00.004+01:00

No tengo mayor idea de flamenco, pero no debería ser dificil reconocer a un grande cuando se le ve. La última vez que lo hice fue en el centro de arte CA2M de Móstoles, en una improvisación junto a Lee Ranaldo y Steve Shelley con motivo de la exposición sobre Sonic Youth. La cosa quedó estupendamente, tan imperfecta como la foto pero igual de libre y espontánea. Maestros tiene el flamenco, pero toda música debe rendirle homenaje.

Susan Philipsz, premio al sonido

2010-12-07T21:07:00.006+01:00

Estamos la mar de contentos con que le hayan dado el premio Turner a Susan Philipsz. En un año donde el Arte Sonoro me ha permitido pensar una exposición-festival donde unas 100 personas han trabajado con un espíritu casi inimaginablemente positivo y donde más de 50.000 parecen haberselo pasado en grande caminando entre estas cosas que suenan, el premio es como una pequeña guinda de reconocimiento, no solo al Arte Sonoro, sino al conjunto de Nuevas Prácticas basadas en nuevas tecnologías que de la forma más natural e ineludible van encontrando vias de presentación.

No es que los premios sean capaces de sancionar ninguna excelencia, pero ha de reconocerse que el Turner ha ido sabiendo entresacar artistas que el paso del tiempo ha confirmado como del mayor interés. En esta ocasión apostaban sobre seguro, que Susan Philipsz, a sus 45 años, tampoco es ninguna recién llegada y ya ha ocupado todo tipo de espacios expositivos, en nuestro país de forma protagonista en el CGAC o en MNCARS-Monasterio de Silos, pero también como participe en muchas colectivas a lo largo y ancho del país. No hablemos de Alemania, Reino Unido, Canadá, Australia, etc., etc.

Lo interesante del premio es que ha ido a caer en un tipo de Arte Sonoro que bien puede calificarse como el más radical: aquel que opera de forma exclusiva sobre lo aural, el efecto espacial del sonido en un ámbito determinado. Sin más objeto visible que algunos altavoces.

Las críticas cosechadas a esta concesión, que en otras ediciones se enredaban entre la ignorancia y lo simplemente reaccionario, se han centrado precisamente en el caracter no-objetual de este trabajo. Algo que debe ser tomado en consideración, porque tradicionalmente lo que llamamos Arte se ha venido identificando con el Arte Visual. Podemos hablar de fenomenología y de percepción, pero el hecho incontestable es que la parte de las artes que se ve, entra en la categoría de Arte, y la que suena en la categoría de Música.

Pero es que ni lo visual es ya tan claro ni lo sonoro tiene por que ser música. Vivimos en una era no solo Intermedia, sino Intersenses. Esto no es de ahora y viene a significar el regreso a un estado de cosas donde se aceptaba que todos los sentidos funcionan al mismo tiempo y adoptan papeles de diferente intensidad en su relación con el entorno. El dominio de uno u otro sentido no solo se define en su propio ámbito, sino también en la percepción general del espacio.

Dicho de otra forma, de noche o en la selva el entorno se define sobre todo por los sonidos, en un campo sin viento y a pleno sol, por la vista. Sobre todo, no unicamente. Sobre la vista, el sonido tiene de peculiar que siempre estamos dentro de el y eso convierte el fenómeno aural en una experiencia plenamente espacial. De nosotros en un espacio dado. Los murcielagos o Alvin Lucier lo entienden y usan desde hace tiempo. En el trabajo de Philipsz se percibe el espacio... Tal vez sea... ¿Arquitectura?

Bien, tras esta disquisición dejó un par de buenos links

En primer lugar e-Limbo

También Mediateletipos

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Vía Límite Osca

2010-12-07T21:05:00.001+01:00

Vía Límite ha viajado hasta Huesca, la romana Osca, una pequeña capital de provincia en el norte de España que, no obstante, viene a ser una muestra de cómo la voluntad política y la energía de unos cuantos agitadores culturales pueden generar una escena viva donde las artes contemporáneas han llegado a ser naturales. Charlamos brevemente con Isidro Blasco, un artista no sonoro que utiliza el sonido en sus esculturas y expone ahora en la sala de la Diputación. También hablamos con Luis Lles, director del festival Periferias sobre el mismo festival, el Centro de Arte y Naturaleza (CDAN) y otras iniciativas que tienen lugar en la provincia y la ciudad.

Aquí el PODCAST

VÍa Límite Actualidad

2010-12-01T10:08:00.002+01:00

Hoy Vía Límite presenta algunas ediciones aparecidas recientemente o incluso una pieza que aún no ha sido editada. Hablamos del Ruinas que nuestro compañero Miguel Álvarez Fernández estrenó este verano en Berlín. Abundando en el tema del piano que tratábamos algunos programas atrás, se trae la revisión de las obras de Elodie Lauten. También van dos piezas muy diferentes del último disco de Brian Eno (Small Craft on a Milk Sea). Otras dos piezas del An Ark For The Listener de Philip Jeck y cerramos con Knoxville de Christian Fennesz, David Daniell Tony Buck.

Aquí el PODCAST

Mario Pacheco

2010-11-27T23:39:00.004+01:00

Habría que buscar mucho para encontrar, en cualquier terreno de las artes, una persona tan universalmente querida y respetada como Mario Pacheco. Ahora se ha ido, dejando uno de los legados más impresionantes en la música española de los últimos 30 años. Últimamente, desde los 90, se le conocía sobre todo por ser uno de los generadores del "Nuevo Flamenco", luego degenerado en Flamenquito, la Rumba Interminable. No creo que a Mario le entusiasmara mucho esta deriva. Para el, da toda la impresión, ese nuevo flamenco tendría más que ver con el Camarón de la Leyenda de Tiempo, los primeros discos de Ketama, el apenas florecido Ray Heredia... Pero así son las cosas y no hay por qué lamentar demasiado lo que uno no hace.

Para muchos, con algo más de edad o de memoria, Mario empezó siendo el fotógrafo mítico que conoció y retrató a Jimi Hendrix (debía tener el como 18 años) y que demostró una y otra vez como era posible acercarse a la fotografía relacionada con la música de manera interesante, a un paso de lo artístico y trasluciendo un conocimiento de la historia del medio que entonces, mediados de los años 70, era bastante rara en quienes iban a tirar fotos en conciertos o sesiones promocionales. Un talento mayor.

Esa cercanía a la música les condujo (a Mario y a su mujer Cucha Salazar) a la Editorial de Nova Canço Edigsa, que andaba totalmente desnortada tras la constitución y el estatuto de autonomía catalán. Llevaron allí a Oum Kalsoum, a algún rasta jamaicano, algún disco underground londinense

Mario era un tipo elegante, de manera que entendió el punk, pero ni estaba en edad ni se le hubiera ocurrido bailar pogo soltando gargajos en dirección al escenario. Pero en fin, solo pasaron un par de años para que surgiera la new wave y el proteico post-punk, algo lo suficientemente imaginativo e indagador como para merecer la pena dedicarle tiempo y esfuerzo.

Nuevos Medios, que ese fue el nombre del sello, con logo de Joan Miró, se dedicó a publicar en España buena parte de la mejor música que se estaba produciendo en Europa. Rough Trade, Cherry Red, Rhino, Factory… Y artistas que iban desde Smiths a Front 242 pasando por New Order, Durutti Column… Todo el tiempo respetando las portadas originales, actitud que también se mantenía en las producciones propias, que además "sonaban bien"…

Además de esto trajo el sello de nuevo jazz ECM, una exquisitez para audiofilos, relevante y a veces cargante, pero de aquellas cosas que habrán marcado una época.

Luego, claro, viene la historia del flamenco, un género que respeto tanto como desconozco y que tampoco me interesa en exceso. Sobre esto se ha escrito mucho estos días.

Pero aparte de su logros, Mario Pacheco era un hombre integro en un mundo de golfos, una persona culta en un mar de iletrados, un ciudadano que comprendía el valor de las cosas que no le gustaban y encima un tipo muy cariñoso. Es una lastima su pérdida, pero mucho mayor el placer de haberle conocido.

Dejo dos links, uno muy reciente de El País y otro de Flamenco World

PS. Iré subiendo fotos realizadas por Mario Pacheco según vaya encontrando. Si alguién tiene localizada alguna especialmente buena, aquí estamos para publicarla.

Burning, no less

Los 8 errores

2010-11-26T17:02:00.008+01:00

Siguiendo aquella excelsa tradición del pasatiempo -¿recuerdan los crucigramas de Ocón de Oro?- les emplazo a que busquen las 8 diferencias que se encuentran en estas dos imagenes. Juego mnemotecnico que no dudamos hubiera complacido al mismisimo Aby Warburg, implacable recolector de todo aquello cercano a lo popular y lo cultural, que como bien sabran nuestros lectores ayer daba alas, conceptualmente hablando, a la exposición ATLAS, comisariada por Georges Didi-Huberman. A modo de relectura, o como bien nos puntualizo un amigo, a modo de complemento, el Grupo Numax ha querido accionar los mecanismos de ese dispositivo que es el museo, y que tan hartos estamos de escucharselo a su director, para crear una imagen especular que encierra mas de un mensaje velado a esa relación extraña que la institución esta construyendo en estos dias.

Vía Límite Christina Kubisch

2010-11-23T22:42:00.003+01:00

Christina Kubisch (Bremen, 1948), es una de la grandes creadoras del Arte Sonoro y de la música experimental. Recientemente ha editado un DVD-libro sobre sus Electrical Walks, en los que se hacen audibles, mediante auriculares especiales, los campos electromagnéticos procedentes de sistemas de seguridad, de teléfonos móviles, de cajeros automáticos, de tendidos eléctricos... que forman una nube cada vez más densa, invisible e inaudible, en nuestras grandes ciudades. Hablamos con Kubisch sobre este y otros aspectos de su trabajo.

Aquí el PODCAST

Vía Límite Piano

2010-11-16T16:58:00.000+01:00

En este programa se repasan nuevas formas de aproximación al instrumento totémico de la música occidental: el Piano. Han coincidido ediciones y reediciones de estas visiones contemporáneas del instrumento y posiblemente esto tenga algún sentido, conceptual, aurático y en algo relacionado con la pura performance. No obstante, cada una de estas visiones pueden ser absolutamente dispares y así lo muestran los ejemplos de Hauschka, Magda Mayas, Wolfgang-Voigt, Konrad Becker, Charlemagne Palestine o Eva Maria Houben.

Aquí el PODCAST

Vía Límite Actualidad

2010-11-09T23:14:00.003+01:00

El programa de esta semana está dedicado a algunas novedades.

Más en concreto

Solo andata - ritual
Senking - pong
Ken Ikeda - Kosame
Alondra Satori - Promontorio Charidemo
Catherine Christer Hennix - The Electric Harpsichord

Aquí el PODCAST

Esto saldra en la pagina al pulsar leer mas

Santiago Sierra, la provocación se premia y el premiado dice nones

2010-11-04T20:40:00.011+01:00

Modifico el post. lo primero es lo último

A primera hora de esta tarde se ha conocido que Santiago Sierra ha rechazado el Premio Nacional que se le ototgó ayer. De la misma manera que no opinaba sobre si debía aceptarlo, no lo hago sobre si está bien rechazarlo. Pero creo que sus razones son dignas de leerse.

Estimada señora González-Sinde,

Agradezco mucho a los profesionales del arte que me recordasen y evaluasen en el modo en que lo han hecho. No obstante, y según mi opinión, los premios se conceden a quien ha realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes.

Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio. Este premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del estado de bienestar en beneficio de una minoría internacional y local.

El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour.

¡Salud y libertad!

Santiago Sierra

En fin, el Nacional para Santiago Sierra.

No voy a hablar de merecimiento, porque yo mismo tengo un premio nacional de esos y no sé yo si me lo merecía con apenas 30 años y menos de 6 de profesión como crítico. Pero así de peculiares son estas cosas.

Pienso, no obstante, que el Premio Nacional parece haber olvidado que hay gente pintando, esculpìendo, haciendo videos, fotografiando... Y los últimos premios han sido Antoni Muntadas, Perejaume (pintor, digamos), Isidoro Valcárcel Medina, Esthe Ferrer y Nacho Criado. Que yo sea uno de los que abogan casi con pasión por lo conceptual y prácticas basadas en nuevas tecnologías, no me impide entender que no son las "únicas". Esto por un lado.

Respecto al mismo Sierra, a quien sigo más o menos desde El Ojo Atómico, toda su carrera está basada en la contradicción. Como decía alguien "Cuando veo arte politico, veo a gente rica hablando de arte y nunca de política". Sierra es muy consciente de ello. Y debe navegar entre lo que supone crear un caos urbano en Mexico DF y que una foto de esa acción cueste unos 50.000 €. Lo mismo con la Bienal, lo mismo con este Premio Nacional.

Hace unos ocho años le comenté que sus fotos acabarían colgadas sobre el tresillo de una casa burguesa. Y creo que aún tengo grabada su risa y cómo no creía que eso fuera posible. Lo es.

Aparte de esto, felicidades.

FACELA, desde Lugo al infinito

2010-11-03T15:49:00.004+01:00

¿Dónde debe desarrollarse la acción cultural? Está claro: en la periferia. Claro que hay periferias en el centro, pero mucho más significativas son aquellas geográficamente descentradas.

Esto viene a cuento de un zine plenamente pop como hay pocos en lengua española. Que podía ser galega: FACELA surge desde Lugo para toda la hispanoparlancia. Es más fácil encontrar publicaciones decentes de lo experimental que de lo más popular, como si para pasarlo bien hubiera de abandonarse el cerebro a la entrada.

En fin, que lo cuenten ellos. Esto es FACELA

Via Límite Steve Roden

2010-10-31T18:18:00.003+01:00

Steve Roden es un artista californiano cuyo espectro de actuación cubre prácticamente todas las prácticas contemporáneas. En este programa realizamos una entrevista a Roden sobre cómo relaciona artes como la pintura, la música grabada, las actuaciones o las instalaciones sonoras. Por supuesto, se programan algunos de sus trabajos, caracterizados por lo general por su falta de estridencias o de grandilocuencia alguna. Quien busque en la Red, encontrará quizás que Steve Roden es el padre de la música en minúsculas. El lo niega con cierta guasa, pero algo hay de eso.

PODCAST

Miércoles Cultural

2010-10-28T12:39:00.004+02:00

Grupo Numax, pequeño conglomerado de acción cultural que desde la red ejerce la crítica social, ha tenido a bien realizar un video más que explicativo sobre los 2 años de gestión del Museo Nacional Reina Sofia por parte de Manuel Borja-Villel y, de paso, llevar a cabo una de esas acciones que tanta falta hacen dentro del mundo cultural: Lo lúdico, lo político y la crítica institucional van de la mano en esta obra magna de la acción callejera.

Vía Límite Paisajes 1

2010-10-25T09:40:00.006+02:00

Estes es un programa dedicado a los Paisajes Sonoros. Para no explicar demasiado lo que suena a autoexplicativo, diremos que vienen dos recorridos fluviales de Annea Lockwood, el proyecto Vancouver Soundscape (pionerisimo en el tema) y, para que no todo sea acuático, un paisaje hindú de Hildegard Westerkamp.

Aquí el PODCAST

Vía Límite Novedades

2010-10-18T09:38:00.003+02:00

Esta noche (01 am de Martes) Vía Limite presentará unas cuantas novedades. El repaso incluye lo último de Billy Bao y de Durán Vazquez, entre otros.

Aquí el PODCAST

Vía Límite Audio por Artistas (visuales)

2010-10-11T10:14:00.003+02:00

Esta noche a las 01 am (del Martes), nuevo episodio de Vïa Límite

Hoy vamos a tratar un tema que en realidad son dos. Por un lado, un recuerdo a una de las más interesantes iniciativas de los años 80, la revista sonora Tellus. Por otra, centrarnos en su número 21, que trataba sobre Audio por Artistas Visuales.

Link al Podcast

Vía Límite Thomas Köner

2010-10-04T13:09:00.004+02:00

Esta noche, (01 a.m. Martes) tenemos nueva entrega de Vía Límite, esta vez dedicada a Thomas Köner, de quien se reeditan los tres primeros CD's. Fueron y son unos trabajos clásicos desde el instante en que vieron la luz, de la cual habían estado ausentes por cuestiones de quiebras de discográficas.

Este es el enlace al PODSCAST Thomas Köner

Nueva Temporada de Vía Límite

2010-09-27T11:33:00.005+02:00

Hola amigos.

No lo hemos tenido claro hasta hace poco, pero comenzamos la segunda temporada de Vía Límite en RNE.

La tira donde estaba, Al Margen, se llama ahora Artes Sonoras y ha cambiado notablemente. Se incluyen dos programas de la nueva directora de RC, Ana Vega Toscano, el de Rosa Pérez y el de Miguel Álvarez Fernández, Ars Sonora, que atrasa su emisión 1 hora.

Vía Límite ha cambiado de día de emisión. A partir de ahora será a la 01 del Martes (madrugada del Lunes al Martes, para acabar de liarnos). Hablando con la directora decidimos que el programna dedicará especial atención a la intersección del sonido con otras Artes, lo que viene llamándose Arte Sonoro. Si le echo una ojeada a la programación del año pasado, cabría más o menos un 85% de lo que se emitió.

Me cuentan también que los podcasts funcionarán como deben. Cabe pensar que sí, más que nada porque la misma directora cree en ese formato y porque sus programas forman parte de la tira.

En fin, que esta noche empezamos con

Juan Muñoz (podcast)

Espero que vayamos bien. Gracias a todos por la atención.

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Fallece José Luis Brea

2010-09-03T14:34:00.003+02:00

Los Últimos Días - José Luis Brea

¿Acaso no nos resulta intolerable ya ese encasquillamiento de una cultura que se ha embobado de sí misma en la imaginación enfermiza de su final, en la letánica intuición de su agonía?

Sin duda, sin duda. Pero entonces, nada de apocalipsis -ni apocalipsis-ahora, ni apocalipsis futuro-, nada de -como certeramente ha reclamado Derrida- moribundias. Ni plagas ni pestes, ni signos en los cielos o presentimientos agónicos que -a baja intensidad- persigan electrizar nuestra piel: negativa a todo discurso catastrofista o postrimero, a todo expresionismo agorero de finales -perpetuamente aplazados.

En su lugar, sólo la proclamada pasión de un trastorno radical, la voluntad decidida de una transformación rotunda.

Nada de profecías -sino sólo una antiprofecía: los últimos días. Nada de diagnósticos -sino revolución ahora, apropiación de destino, ganancia definitiva de la vida y el mundo.

Activismo, ejercicio radical de la pasión de otredad, abandono inmediato y decidido de un estado de la vida intolerable, improlongable, ...

Los últimos días: sólo la pasión del tránsito, del salto al vacío, a un más alla sin dibujo ... Y el adiós a promesas y consuelos, a nostalgias y embadurnes, a bálsamos y tibiedades. La vida no habita más la vida. Es pues preciso, todavía, decir: “nosotros los póstumos, nosotros los más efímeros”.

Pero sólo para trazar el rastro de nuestro paso fugaz. Nuestros son los últimos días -pues sólo nosotros hemos aprendido a querer los finales, sólo en nosotros ellos se quieren al mismo tiempo pasajeros y eternos, fugaces y plenos. Allí donde la vida no consiente más ser estafada: los últimos días.

El tiempo-ahora.

Irreversiblemente, y para siempre.

#
Estremecedor. Estremecedor el trabajo que un siglo se ha tomado en el experimento más radical que la humanidad ha conocido: el de su superación -tal vez, el de su mero llegar a ser algo digno de ese nombre.

Aterradora la oscilación de los nombres que ese experimento ha cobrado, en un vaivén de tentativas embriagador, insostenible. De un extremo a otro, Occidente entregado a la fiebre exploradora de sus límites -en todas direcciones. Sin solución de continuidad, un frenético encabalgarse de experimentos contradictorios, incompatibles.

#
Todavía más terrorífico el rastro de sus abandonos, la estela de residuos que de los sucesivos naufragios va quedando. Única y muda memoria que, por contrafigura, hace subir la capacidad de olvido de un pueblo que se entrega a sus aventuras con fervorosa vehemencia -pero con no menor ligereza se desprende de ellas, como si nunca hubieran sucedido, como si, ciertamente, “aquí no hubiera pasado nada”.

Mudas piedras derrumbadas, ciegas calles sin salida, dónde está la memoria de aquel fragor de banderas, la efervescencia de aquellos entusiasmos callejeros, la electricidad que cada grito de libertad exhalado por millares de gargantas ha hecho correr, como la sangre, a raudales, hacia ninguna parte.

Sueños desvanecidos, memorias vanas, qué queda ahora de aquellos entusiasmos sino la más tibia conmiseración, el arrepentimiento más lúgubre, la más penosa expiación quizás. Un torpe silencio enmudecido que pareciera pretender hacerse perdonar el haber apostado a límite, el haberlo intentado todo. Y la cínica entronización de la indiferencia, de la medianía, de esta feroz nueva barbarie del “nuevo orden”, de la tremenda pobreza que, además, soporta silenciada toda la sublevación que en los corazones salvajes despertara otrora su contemplación.

Y ahora, esa tenue pátina equilibrada que borra todo horizonte de riesgo, que liquida toda tentación transformadora en nombre de una razonabilidad mermada, como si la oferta de lo que hay, del mundo escindido, colmara toda expectativa legítima, como si de pronto lo ilegítimo fuera reclamar algo más, un más allá, un final -y, en él, un comienzo.

Y es entonces entre terrores entre lo que tenemos que elegir: el de soñar contra el de aceptar la villanía de lo real en su insuficiencia, el de experimentar en los límites contra el que nos produce el recuerdo terrible de las formas totalitarias de consolidación edificante en que la puesta en escena de tal soñar, tantas veces, ha desembocado.

Pero en esto se nota que amamos nuestro siglo, su profunda histeria: antes nos entregamos al vértigo de la inagotabilidad de sus sueños imposibles -explorándolos precisamente allí donde no se pretenden resolutivos, salvíficos- que cederíamos a la tentación de contentarnos con el tibio bienestar que de su renuncia y apartamiento se suceden.

Pues en ello, en estos últimos días, el silencioso fragor del sufrimiento sigue golpeando nuestros oídos por debajo de la conspiración de silencio que pretende cerrar el mundo en la modulación de un orden aparente. Pues a ese orden le sabemos cruel, aún más sanguinario y terrible en su implacable realidad que podría serlo cualquier experimento en el legítimo ejercicio del intento de revocarlo. De tal lado estamos. Y sí: mísero aquél proyecto que olvide que está aún muy lejos el horizonte que le legitima. Aquél remoto horizonte en que conoceríamos “la dicha que, semejante al sol de la tarde, hará don incesante de su riqueza inagotable para verterla en el mar, y que, como él, no se sentirá plenamente rico sino cuando el más pobre pescador reme con remos de oro. Esa dicha divina se llamaría entonces: humanidad”[1]

#
El arte, pues, contra la vida. Contra esa forma domesticada de vida que repugna en su insuficiencia, en su escisión. Es decir: el arte a favor de la vida, más allá de su separación: incluso contra el propio arte, como separado de la vida. El arte, entonces, como verdadero dispositivo político, antropológico -el arte como función teológica.

Inseparable de su origen sagrado, de su destino trágico -en su ateismo radical, en su orfandad absoluta. Inseparable de la escena del trastorno que habría de arrastrar en catarsis al sujeto hacia el vértigo de la conciencia de su insuficiencia constitutiva, la de la vida misma tal y como le es entregada -raptada: insuficiencia del pensamiento reducido a la conciencia, del mundo de las cosas reducido a su mercado, de la historia reducida al falsario inventario de las ruines hazañas fabuladas por los presuntos vencedores.

Pero, sobre todo, insuficiencia del arte reducido a repertorio inocuo de las formas y sus variaciones, insuficiencia de un arte que se arrinconaría como forma depotenciada del pensamiento, desplazado a una extraterritorialidad inefectiva. Desde ella, en el acontecimiento a bajo nivel de la forma tecnológica de su desaparición simulada –acontecimiento epocal que nos ocupa- nuestro arte light no tiene otra fuerza que la de legitimar la luz crepuscular de lo real con el esbozo de una zona de sombra –a cuyo vértigo verdadero ni siquiera posee la fuerza de convocar.

Allí, el arte pierde toda fuerza de trastorno, al sólo servicio del mercado -de la cohesión social en torno a su forma irrealizada, de consolidación del consenso en los alrededores del más insulso nihilismo. Los dioses abandonan, aburridos, el mundo, sí. Pero no es el arte la espada flamígera que decreta su expulsión, para hacer de cada uno de nosotros el ángel implacable que la ejecuta –reabsorbiendo los poderes tanto tiempo expropiados-, sino el consuelo de un mundo ya evacuado de toda expresión de fuerza, tan intrascendente y vano que -de no ser por la suposición de profundidad con que la perpetuación del supuesto de potenciales en que el arte nos entrampa todavía- cualquiera de nosotros, en ejercicio de plena e impecable lucidez, sin duda preferiría olímpicamente abandonar.

¿Habríamos de aceptar ese destino gris del arte en una especie de “fin de la historia” en que toda su aventura quedara desarmada, bajo la forma disminuida de su simulada desaparición, y reducida al mero juego de las variaciones de la forma, que sólo adornan el farsante progreso con que la técnica escribe su arrollador e insensato paso por el mundo -en esta hora extendida de la pecaminosidad consumada?

Pero no: contra la ficción inmovilista del fin de la historia -contra su anuncio de una perpetuidad pacificada de la crueldad liberal que exime al mundo de toda aventura vinculada a la voluntad de su transformación rotunda- la ficción potenciadora de los últimos días. Como guillotina siempre elevada en el aire de la historia -hecha naturaleza. Convirtiendo el más legítimo de los nihilismos no en argumento de pasividad o conformismo, sino en resorte de la más fiera querencia de transformación, venganza contra el adormecimiento que se apropia, cada día, en cada palabra o gesto, de la más profunda riqueza que debería alentar nuestro existir.

#
Imaginad ahora aquel febril experimentar del siglo en los terrenos del arte. Sentid la encendida violencia de las cantinelas futuristas, la precisión del dardo surreal sobre la inteligencia, la escalofriante fiereza del Cabaret Voltaire contra la pacatería dominante, la rotundidad mágica del descenso a lo inefable en las composiciones de Cage o los poemas de Mallarmé, la cristalina precisión con que un plano limpio de Mies consigue resquebrajar todo esquema previo de percepción del espacio, la embriagadora complejidad con que la novia duchampiana nos arrastra hacia aquellos espacios puros en los que el pensamiento duerme -con ella- en vela, incluso la violencia con que el propio pensamiento es enfrentado a su desnudez en el proyecto minimalista, la perfección con que es arrojado contra la vida separada en las dianas del pop, o la amargura con que se enfrenta a la irrealizabilidad de su virtual verdad en la claudicación conceptual ... ¿Se querría que en todo ello no viéramos sino un sucederse de ejercicios formales, una variancia caprichosa y errática por las interminables y gratuitas posibilidades del decir?

Nos negaremos siempre. Pues aun cuando no podamos ya creer que el arte salve, menos aún podríamos asumir la claudicación de aceptarle como mero cómplice-bálsamo que sólo sirviera a revalidar a lo que nos secuestra y aparta de la verdadera vida -ésa que algún demagógico populismo cínico, de última hora, querría que confundiéramos (ocultándose y ocultándonos que ésta que en él se predica está mutilada) en ecuación de identidad con esta engañifa que se toma en él por verdadera, por suficiente.

¿O es que acaso sería preferible -sólo por pregonarse “para todos”, por autoproclamarse “de y para” la “vida ordinaria”- un arte sin efectos, un arte simplemente “consolador” -en su mistificador legitimar la falsa conciencia de lo que hay (como incruento), en su ideológico encubrimiento del efectivo estado de cosas que padecemos?

¿No es más seguro que un arte radical, trastornador, pondría de tal forma frente a la vida que exigiría de ésta aquella alteración que acabaría por requerir una devolución inmediata del sueño de una experiencia plena al total de la humanidad -cuando, entonces sí, “hasta el último pescador reme con remos de oro”?

#
Desolación infinita de la historia. Ninguna promesa se ha de cumplir nunca. No hay otra historia que el acumularse infinito de los fiascos, del fracaso interminable que, en su esfuerzo por solventar el problema de la vida, por resolver el cumplimiento pleno del sentido, deja la cultura tras de sí como único y triste rastro.

Ninguna promesa, nunca más, nos concierne. No es nuestro, más, el problema de la verdad, el del sentido. Las lenguas flotan livianas, liberadas de su obligación a la representación, al dominio del mundo. El fantasmagórico ilusionismo con que, desde el seno mismo del arte, el símbolo nos aseguraba entregar -en sobre sellado, eso sí- la promesa inaccesible del sentido pleno, deja de gravitar sobre nosotros. Ahora, la lengua flota a la deriva dispersa en tonos locales, en desinencias dispersas, en significados inagotables, en fragmentos: no se dice el sentido de una vez ni para siempre -en ningún lugar. Al contrario, todo habla es fragmento de un discurso inacabado, aplazamiento del sentido siempre abierto a interminables reutilizaciones.

Donde un régimen promisorio del sueño de conquista de las virtudes -compacidad, plenitud, eternidad, presencia del sentido- del símbolo asentaba sus artes de captura, nuestra diurna certidumbre de su inviabilidad abre un territorio -entre sombras, asumiendo el claroscuro con el que en él la vida se revela- roturado por las quebradizas señas de la alegoría, del decir abierto y fragmentario, siempre aplazado, en que el sentido de un texto no es más -y no pretende ya ser- el fiel reflejo de La Idea o El Mundo: sino siempre otro texto, otra fuga, cualquier deriva.

Así, escritura, el arte no invoca ya los poderes de lo eterno, de la verdad o lo inmutable: sino la fulgurante puesta en evidencia de su implenitud, de su abertura y aplazamiento, de su impresencia.

Y, sin embargo, es cierto que la forma de la promesa nos obliga, nos requiere. Pero -paradoja terminal para los últimos días- sólo hoy nos es pensable su ejercicio en la proclamación impenitente de su imposibilidad. Así: nueva promesa de felicidad del arte -que no hay más territorios para la promesa, que la organización que se apropiara de la vida en aras de ella (el arte a su servicio) sería estafa que ya a nada obligaría.

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¿Es juego entonces el mundo, la vida, el hacer de los hombres, su construir la historia? ¿O la ilusión del sentido se asentaría en una forma de la vida que, ponderación misteriosa, podría alguna vez resolverse -como pantografiada- en el decir de un enunciado, una palabra, un gesto, una figura, una forma, un verbo nuevamente poseído de las virtudes -de lo divino?

Pero no: es juego el mundo, y la vida, y el hacer de los hombres y su historia no es sino el agitarse insignificante de una tentativa inútil.

Sobre la que eones de tiempo negro pasarán huracanados como un telón que barriera apenas briznas.

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Estrategias de autocuestionamiento, de autonegación. Oscilación ultrarápida entre el decir y el poner en cuestión la suficiencia del lugar -y la forma, y el contenido mismo- desde el que se dice. Batería de recursos enunciativos mediante los que negar el propio espacio en que se enuncia -como tal espacio de la representación. Bucle autorreflexivo por el que todo auténtico ejercicio contemporáneo de la tarea del arte practica la autodenuncia de su insuficiencia, testimonia la nueva falta de fe en aquellos dispositivos que, organizados para hacer falsariamente creíbles sus potencias simbólicas, le otorgaban lugar y pública función. Contraretórica por la que todo arte comprometido -con la causa trágica de la expresión nihilista- desenmascara la lógica de complicidades mediante la que un sistema generalizado de encantamiento del mundo -capitalismo- se cobra como rehenes al pensamiento y al ser. Pura expresión de fuerza emotiva que, en su recurso a una tonalidad figural y abstracta, pone en juego el mero apunte de un rastro de fulminante evidencia-al-pensamiento que no adquiere la forma concluida de una pretensión de significado, sino el mero esbozo virtual de una tensión de significancia, la anotación de su apertura y aventurada entrega al espacio abismal de un frenesí interpretativo, de una abierta posteridad hermenéutica: a una voluntad -quebrada, como una voz partida- de decir, de hacer ver, de mostrar el mundo.

#
¿En qué lugar sería trasparente el mundo, en qué lenguaje podría su verdad decirse? ¿Sería él el arte, ese lugar convocado a la puesta en obra de la verdad, a la -esencia de la poesía- dicción pura del ser?

Respondiendo, rotundamente: Ni hay ese lugar cristalino ni esa lengua de los dioses que tuviera entre sus poderes el investir en su movimiento el mundo, ni es él el arte -que sólo sería tensión de serlo y al mismo tiempo fuerza de reconocer su incapacidad, su insuficiencia.

Así, territorio trágico y nostalgia de ser abrigo y capacidad de convertir en cómoda casa del hombre el mundo. Y entonces oscilación paradojal entre la expresión de esa nostalgia que le empuja a adquirir la forma de la promesa que sobre sí proyecta -misión, inexcusable tarea- el anhelo del hombre y la fuerza de la honradez que le obliga a reconocer su insuficiencia, su incapacidad para contener la plenitud del sentido en presencia, su inadecuación para responder del tremendo encargo de traslucir el mundo, la verdad, de resolver en la producción de la forma el problema del claroscuro de la vida.

Y sólo entonces se cumple el arte como auténtico en tanto enunciación contradictoria, tensión aporética y alegoría de -incluso su propia, hasta diciendo ello- la radical ilegibilidad última de todo enunciar. Sólo en tanto lo que en él se enuncia es, precisamente, la insuficiencia de todo decir, su abertura, el hecho de que lo que en lo que se escribe habla es siempre otro, siempre algo otro es dicho.

Y acontece entonces que a la presión de su ocurrencia como testimonio puro de la ilegibilidad, “el mundo todo se enciende convertido en escritura apasionante”[2], en signo liberado a interminable errancia. En abierto y fatal enigma a cuyo borde nuestra mirada se asomaría ahora, de su mano, cautiva y pura.

Es sólo de esta forma que el arte es espejo del mundo -como espejo negro, al que al asomarnos nos embriaga el vértigo de contemplar oscura nada, negrura, en que la esperada imagen o el verbo falta, por siempre ausente, sin esperanza ... En él como en el mundo ...

#

En esa imagen ciega, reposar.

Reposar de un cansancio infinito, de una voluntad de sentido secular, arrastrada como pecado original a través de las generaciones. Puede intuirse el rostro del abuelo del abuelo del abuelo del abuelo del abuelo ... de todos nosotros en ella: el rostro original del hombre -como ansia del sentido. Inclinado sobre ese espejo negro -que es la fe única del balizador del desierto, cuando se asoma al último pozo que puntúa la frontera- sus rasgos se distienden, su rostro se abre, toda tensión se alivia y el corazón estalla en el margen roto de una identidad difusa.

Espíritu de la música, un canto profundo se libera entonces en una no-palabra primordial -que ya no aspira al sentido, que es pura forma en movimiento (cántico y no ya palabra). Esa clase de pensamiento mudo, ciego, que simplemente sigue la oscilación del aire, que se acomoda a los dibujos aéreos de un espacio de tensiones aún sin forma, liviana presencia apenas de la imagen virtual que todo envía sobre todo. Música pura, imagen aérea y amorfa, en ese canto sin palabra el pensamiento reposa lacio sobre sí: y cae, dulce facilidad, sin peso sobre las cosas. Allí, la forma recorrida no es producto de voluntad de sentido alguna, sino aparición -como en un frottage, como si el pensamiento no fuera sino una nieve leve que al caer desvelaría trazos y huellas ya dibujadas por el orden de la tierra- misteriosa del orden de las relaciones.

Todo a todo, equiválese allí el pensamiento de los hombres al de las cosas, proyección de resistencias recíprocas, sistema mundi. Y qué diferencia resta entonces -saber de la melancolía del mundo- entre decir y no decir, entre la voluntad de vida y el instinto que la reconoce más allá de todo límite.

#
Subjetividad dispersa, el pensamiento acontece allí como episodio laxo y distendido de recorridos arteriales -que la misma organización material del mundo preordena. Todo se refleja en todo, obliga a todo, y el pensamiento que se ejerce desde la limpia laxitud -que es tarea de la liturgia ritual del arte encender- a que se accede al dejar atrás el cansancio infinito de la interminable persecución del sentido, no es sino expresión de tal vibración monadológica del mundo: el más poderoso pensamiento que nunca la especie humana ha podido consentirse.

Y allí el tiempo se congela eterno, en un instante ilimitado -pues son los nombres de las cosas los que a veces dejan de corresponder, pero en su latido el mundo no cesa de expresarse pleno, sin grieta. La herida del mundo, el hombre, cierra sobre sí su desaparición, su rebasamiento, su superación. Sin esfuerzo, como una muerte cálida que no es sino un reposar del ansia, un experimentar la no exigencia del sentido. El mundo es pleno en su latido intemporal, y la forma del pensamiento cumplida en ese anidamiento es, también, sin bache, sin fisura. Nada le falta -sino, ahora sí, destino.

Cascada de ángeles, el mundo quieto, sin historia, en un instante-ahora que se abre pleno, conteniendo en sí su temporalidad entera, extendido en el tiempo y el espacio sin límite, en toda dirección -incluso hacia dentro: a todas sus posibilidades. Todo escrito y revelado en cada punto, eco de todo en cada recoveco, reverberación eterna y sostenida del mundo en un pensamiento sin sujeto, en una historia -no del hombre.

Él, pobre, se enfrenta al abismo de ese pensamiento demasiado terrible, demasiado potente, aterrado, intranquilo, incapaz de entregarse. Quién podría así atreverse al arte, sabiendo que él es precisamente ése lugar en el que,

poseyéndolo todo
no tendríamos dónde ir[3]

¿O nos atreveríamos todavía a esa soledad -de la compañia absoluta-, a esa extraña forma de abandono al mundo -que nombraríamos nihilismo extremo, y que, de Rilke a Breton, todos los verdaderos poetas han pregonado: “abandonadlo todo / partid por los caminos”?

#
¿Cómo podremos aceptar que los caminos de la revolución de lo social -única en que se cumple una verdadera de la experiencia- y la de los lenguajes (el arte) no hayan encontrado su punto de confluencia? ¿Acaso no es indudable que este fracaso es el fracaso -el fracaso por excelencia- del siglo, de nuestra cultura, de Occidente, la verdadera crisis de la modernidad?

¿O es que acaso no estamos secretamente seguros de que, caso de haberse encontrado ese lugar de convergencia de los programas revolucionarios en la esfera de lo social y en la de las formas abstractas de la experiencia -sobre la que interviene el arte- esa aventura se habría visto coronada por el éxito?

Y cómo entonces, sino con profunda e insuperable melancolía, podríamos aceptar que ese fracaso de nuestro siglo sea irreversible, inexorable. Cómo, sino con un nudo en la garganta, asumir una irrealizabilidad -que contrasta con lo que a nuestro oído de últimos náufragos susurra un dormido poso de fe: que si ese punto se alcanzara el mundo entero se vería transfigurado en ligereza y luz, perfecta laxitud del ser, reinado ininterrupto de la libertad.

Pues cuando menos sabemos que no cabe llamar arte a nada que no posea los poderes de ese trastorno radical que expulsaría de la vida de los hombres toda sumisión -de unos a otros-, toda alienación -de unos por otros-, todo resto de oscuridad -en un reparto de las luces que no llegara a alcanzar a la totalidad de los hombres, al total de los lugares en que hace masa la conciencia del mundo.

#
Como sabemos que no cabe llamar revolución a nada que no suponga trastorno radical de la forma de la experiencia del mundo, consagración de una forma de saber sobre el ser plena de transparencia, posada sin peso en él. Y sabemos entonces que si arte y revolución no han sabido encontrarse, hasta ahora, es porque nunca han sido tales -sino por fulguraciones-: y que sólo en ellas y en sus fortuitos encuentros cabe cifrar la única esperanza obligada: la de apropiarnos, como hombres, de nuestro destino, de nuestro lugar en el ser ...

Y si quizás el tiempo nos ha hecho sabios en desesperanza, en desconfianza hacia toda expresión o uso edificante de la cultura que pregonara poseer las fórmulas para alcanzar tan altas cimas, habríamos aprendido cuando menos a recorrer el filo negativo de sus promesas, desde la línea de sombra que atraviesa el reverso, de ya largo aliento, de una tradición -de la que no podríamos, honradamente, declararnos ajenos, sino hijos.

He aquí lo que ella nos dice: que donde el signo edificante de un proyecto general del mundo se alza, allí no hace sino legitimarse la recaída inmovilizadora en la penosa estabilidad de esa forma mermada de la vida que conocemos -despótico imperio capitalista del mundo. Y, por contra, que sólo allí donde toda esperanza está ya abandonada, aquél mudo reposo que excusa toda tensión y todo ansia de alguna plenitud del sentido que el arte mismo revela tarea inagotable, enciende sobre un tenue claroscuro la vibración breve de una última posibilidad -como (etánt donnés ... ¿el bien conocido eco de la linterna oscilante retenida contra el fondo sobre el que una cascada de agua eterna vomita el retornar implacable del mundo sobre sí mismo. Esto se llamaría: extraer las máximas consecuencias de la idea de una “crisis de la modernidad” -como hubiéramos dicho “extraer las máximas consecuencias del significado de la “muerte de dios””.

Y se trata entonces de no volver a aceptar esas servidumbres respectivas del arte a la revolución o de ésta a aquél -que a la postre no ponían una y otro sino al servicio de un proyecto mermado que a ambos reabsorbía-, sino de encarecer el hallazgo del lugar en que únicamente ambos son posibles: allí donde son lo mismo, donde no podrían separadamente ni concebirse.

Obligada búsqueda, única que hace todavía de la vida humana una tarea digna. Y de nuestros tiempos finales época todavía heroica ...

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Simetría inversa de dos ficciones abstractas, teologico-políticas: la del fin de la historia y ésta de los últimos días. En ambas hace síntoma y conciencia la condición terminal de una cultura que conoce su fracaso en términos de incapacidad de representación plena del sentido, de viabilidad de un proyecto emancipado de sujeto, de realizabilidad de una forma digna de convivencia en lo social. Conciencia del fracaso del humanismo, se llama -con su más doloroso nombre- esta certeza oscura que nos concierne irreversiblemente.

En la ficción conservadora del fin de la historia, sin embargo, esa condición terminal se pronostica eterna, inamovible, insuperable, perpetua -incluso ello se pregona deseable, culminatorio: banderola del pandémico neocinismo liberal. Por el contrario, la alegoría luctuosa de la caducidad contenida en nuestra ficción de los últimos días anuncia y proclama la urgente suspensión de ese estado tedioso, su insostenibilidad. Y perfila, en una visión fulgurante, su heterotopía, la apertura inclausurable del mundo mucho más allá del cansino terrorializarle mermado del hombre herido, roto, rendido en su alienación.

Por no más que un instante, aunque sea, como le es propio a la verdad del pensamiento durar. Y no sólo porque, ciertamente, “en los dominios que nos ocupan, el conocimiento sólo puede ser fulgurante: el texto es un rayo cuyo trueno sólo se deja oír mucho tiempo después”[4]. Sino, más allá, porque es ese territorio del instante el que se cobra -como territorio puro, profundo, inextenso y al mismo tiempo eterno. Como puerta en que se sella el burdel del historicismo, abriéndose el mundo a una visión panorámica -como la del ángel nuevo- capaz de reconocer, “donde nosotros percibimos una cadena de acontecimientos, una sola y única catástrofe que no cesa de acumular fragmento sobre fragmento, ruina sobre ruina”[5]. Instante pleno de un tiempo-ahora sin fisuras que recorre la totalidad de los lugares del espacio y los tiempos, devolviéndonos rescatados por igual pasado y futuro, la memoria toda de lo que se ha ido y la de lo que habrá de venir -y aún de lo que nunca será o fue- contenida en una iluminación profana que se enciende a la presión pura del presente fugitivo, del pleno abandono a la ley mayor que escribe la forma del mundo: que todo pasa y en nada rige sino caducidad.

Quizás sea esa experiencia de la temporalidad en lo fugaz lo que la ficción de los últimos días nombra, una experiencia que de alguna manera nos corresponde epocalmente -asumir lo cual representa aceptar como fuerte el pensamiento de la posmodernidad, reconocer en él algo no puramente negativo, sino auroral: reconocerle como profecía y anuncio del estallido de la era del tiempo-ahora (como tiempo-pleno) que palpita en la imaginación de los últimos días.

Si ese presentimiento fuera cierto, al asomarnos a su figura veríamos cumplida la condición que Benjamin interpuso para confiar en algún saber. Parafraseándole, por última vez, “nunca creeríamos en forma alguna del arte que no permitiera explicar por qué en los posos del café puede leerse todo el futuro”.

Como en ellos, éste se escribe en Los Últimos Días. Y dice, ciertamente, “esperanza” -aunque “no para nosotros”. Pero, maldita sea, quién la necesita: ¿acaso no basta con que la haya?

Este texto sirvió de introducción a la exposición "Los Últimos Días" organizada por el autor en las Salas de Exposiciones del Teatro de la Maestranza, en Sevilla, presentada en 1992. Eran artistas presentes en la expo: Ignasi Aballí, Pep Agut, Pedro Cabrita Reis, Hanna Collins, Jordi Colomer, Pepe Espaliú, Robert Gober, Rodney Graham, Cristina Iglesias, José Maldonado, Reinhard Mucha, Juan Muñoz, Hirsch Perlman, Simeón Sainz Ruiz, Jan Vercruysse y Jeff Wall.

NOTAS

[1] Friedrich Nieztsche, La Gaya Ciencia, 1882.
[2] Walter Benjamin, Origen del Drama Barroco Alemán, 1928.
[3] Leonard Cohen. La energía de los esclavos. 1972.
[4] Walter Benjamin, Le Livre du Passages, 1934.
[5] Walter Benjamin, Tesis de Filosofía de la Historia, 1940.

Aphex Twin en Ibiza!

2010-04-30T12:01:00.002+02:00

Recien me levante abri mi correo y me encontre con esta noticia: Aphex Twin en la Isla Blanca. No puedo mas que frotarme los ojos, AFX en el Space de Ibiza! Quienes tuvieron la oportunidad de verle en el ultimo LEV junto a Hecker hablan maravillas del evento. No quiero ni imaginarme lo que puede ser un set especial de acid y demas cacharreria en uno de los lugares que encumbraron y alargaron las posibilidades del mito de Cornwall. Yo ya estoy mirando vuelos.

Vïa Límite 33 Nicolas Collins

2010-04-29T23:43:00.004+02:00

Vía Límite 33 Nicolas Collins

22-04-2010

¡¡¡PODCAST!!!

Hoy vamos a hablar de un maestro. A veces estos grandes maestros no son tan conocidos como sus discípulos y así, podría hablarse en artes visuales de un Dan Graham o un John Baldessari, cuya importancia suele medirse por su influencia, má que por su obra. Algo generalmente muy injusto, porque todos ellos, aunque hayan dedicado buena parte de sus energías a descubrir y mostrar caminos por los que otros han transitado luego. Uno de ellos es Nicolas Collins, profesor de música en la Universidad de Chicago y editor de la revista Leonardo que publica el MIT de Massachusets.

Vía Límite 31 Zeitkratzer

2010-04-01T23:27:00.002+02:00

Vía Límite 31 Zeitkratzer

¡¡¡PODCAST!!!

Zeitkratzer es un conjunto berlinés dirigido por Reinhold Friedl y que a día de hoy es, con diferencia, de lo más interesante que puede encontrarse en el panorama de lo ¿clásico? Zeitkratzer lo mismo se divierten un poco con Schönberg como transcriben para instrumentos acústicos el Metal Machine Music de Lou Reed. En principio Zeitkratzer se basa en una instrumentación más o menos convencional, pero no le hacen ascos a la electrónica en sus más variadas manifestaciones. Lo que queda, además de buena música, es una reflexión sobre los géneros, de las relaciones entre los diferentes reinos de una música post-romántica y post-vanguardista

Lou Reed Metal Machine Music, Part I
Metal Machine Music Live
gebet an pierrot
(helmut lachenmann) pression
Con Alva Noto synchron bitwave
Con masami akita - crackgroove
Volksmusik Walz

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Via Limite 30 Marina Rosenfeld

2010-04-01T22:10:00.003+02:00

Via Limite 30 Marina Rosenfeld

¡¡PODCAST!!

Marina Rosenfeld parece destinada a convertirse en una de las grandes figuras, no se si de música exactamente, pero si de la música como performance. Por cierto, no confundir la Marina Rosenfeld argentina que también se dedica a la música. A lo nuestro, Marina Rosenfeld, nacida hace 42 años, es lo que se viene llamando una artista conceptual en la tradición de John cage. Pero su intención no es resultar sesuda o inaccesible, según declaraba ella misma cuando hizo una instalación para el castillo de pontós, su intención es “llevar la música llamada conceptual un paso mas allá. Generar un contexto en el que compartir la experiencia sonora se convierta en un acto social y cultural mas allá de la mera audición "elitista" del sonido”.

she frost orchestra

theforestthegardenthesea

soba for tired dancers

sabbath unholy sabbath remix

joy of fear

plastic materials cuz

plastic materials rings

Mattin & Saori Hara

2010-03-13T16:35:00.004+01:00

No he podido resistirme a colgar esto:

"Algo curioso ha sucedido durante los últimos meses en la revista The Wire. Todo comienza con un anuncio que usa una imagen bastante turgente de una mujer japonesa. Durante los siguientes números se reciben cartas de protesta sobre como una revista “intelectual” como esta puede rebajarse por cuestiones económicas a publicar este tipo de imágenes que degradan a la mujer. Como es obvio, todas ellas escritas por hombres. La revista sorprende con su respuesta: la sesión fotográfica para una entrevista a Mattin recrea la pose y el vestuario. Es decir, mostrar a las claras como un público tan supuestamente libre, inteligente y crítico entra al trapo de cualquier provocación colocada como trampa. El anuncio incluía el nombre de la modelo (Saori Hara) y cualquier búsqueda en Google arrojaría la evidencia de que es una actriz porno. No nos dirá nada sobre la imagen y representación de la mujer, pero si como se disponen las cosas para generar esa respuesta en las mentes "bienpensantes" y estar hablando con dicha excusa sobre un producto." Extraido de From Closer To Near

Vía Límite Especial Sonic Youth (Expo)

2010-02-24T10:15:00.002+01:00

Esta noche como siempre a la 1 de la Madrugada (01.a.m. Del jueves

¡¡¡¡ PODCAST !!!"

Hace poco se ha inaugurado en Móstoles, una de las 11 grandes ciudades de Madrid, una exposición en torno a Sonic Youth llamada SONIC YOUTH etc: Sensational Fix. Y sobre ella vamos a hablar. Por supuesto, estando en Via Limite y en Radio Clásica, vamos a tratarla porque no es una exposición sobre el grupo Sonic Youth, aunque bien lo merecería, porque la suya ha sido una trayectoria con influencia mucho más allá del terreno pop donde decidieron moverse. En realidad la exposición gira más bien en torno a la escena Neoyorquina de finales de los 70 y principios de los 80, la llamada No-Wave, el comienzo del indie si se quiere, el momento donde el pop-rock comienza a autocuestionarse a si mismo, como diría la critica Jutta Koether, alemana. Un mundo en cual todos podían hacer música y todos podían hacer arte. O escribir, o bailar o cualquier cosa, en realidad…

William Burroughs - Present Time Exercises (1971)

Dan Graham

Barbara Ess – entrada

Glenn Branca – faspeedelaybop

Dara Birnbaum - kojak-wang

Jenny Holzer

Pauline Oliveros Deep Listening 1989 Suiren

Phil Niblock - index circa seventy

Rhys Chatham - factor x (1984) cadenza

Christian Marclay - records 1981-1989 12 neutral

Cornelius Cardew Treatise 03 1967

Sonic Youth - Cornelius Cardew - treatise page 183

Byetone directo en Specka

2010-02-21T19:20:00.004+01:00

De un tiempo a esta parte estan sucediendo cosas en Madrid. Es un hecho que durante gran parte de la decada pasada era mas bien imposible poder presenciar a la gente que lo partia dentro de la electronica de baile si no era dentro de una institucion relacionada con la cultura, como si tuviera que ser necesaria una coartada intelectual para poder ver a Rustie o Shackleton, por ejemplo. En estos ultimos meses hemos podido oir a Kode 9, Luke Vibert, Dorian Concept, Mike Huckaby, Dam Funk, Jimmy Edgar, Rob Hall o Mike Dred en pequeños clubs, de momento nos queda mucho para poder ilusionarnos con una escena no solo que traiga a personas emergentes del otro lado del canal, sino que se cree una pequeña comunidad entusiasmada con la vanguardia de baile. Estamos viviendo uno de los momentos mas ricos y bellos de las ultimas tres decadas, donde cada dia sale un nuevo maxi que reformula los sonidos de antaño para llevarlos al futuro, musicos que estan ahi, se pueden oir... y tambien ver y sentir en directo.

La gente de Analogical Force trae en quince dias a Olaf Bender. Alli estaremos.

Via Límite Especial Francisco López

2010-02-10T12:27:00.002+01:00

Hoy tenemos a Francisco López (entrevista), sin la menor duda uno de los músicos más interesantes del panorama actual. La excusa es una instalación sonora que presenta en el Reina Sofía de Madrid, pero podría ser cualquier otra, como el lanzamiento de su último disco "Machines". Francisco López, madrileño, lleva casi 30 años haciendo música absoluta, aunque quizás hablar de música no sea tan exacto, al menos si pensamos en música tradicional. Lo suyo son los sonidos, que varían enormemente aunque posean caracteres comunes.

Como siempre esta madrugada a las 01 de la noche (Jueves 01 a.m.)

STREAM

Vïa Límite Especial Mego

2010-01-27T12:42:00.004+01:00

Hoy vamos con uno de los sellos más peculiares e influyentes en los diez años que duró, entre 1995 y el 2005. Casa de lo más disparatado pero muy fundamentalmente de lo que pasó a llamarse clicks & cuts o glitch music, forma de la electrónica que desmembraba cualquier patrón rítmico y melódico y, encima, estaba saturadas de humor: aunque austriaco, Mego fue siempre un sello básicamente duchampiano.

Como siempre esta madrugada a las 01 de la noche (Jueves 01 a.m.)

STREAM

General magic & Pita Funk Fridge Fridge Trax 1995
Fennesz Instrument 1995
Farmers manual Farmers Manual No Back Up 1996
Pita i Seven Tons For Free 1996
General Magic Take the bus Frantz 1997
Florian Hecker - + it iso161975 1998
Evol 11 Principio 1999
Masami Akita/Azuma/Haswell/Sakaibara: Ich Schnitt Mich In Den Finger 1997
Jim O'Rourke: I´m Happy, And I´m Singing, And a 1,2,3,4 2001
COH el, hombre, invisible 0397POST-POP 2005

Emilio Cañil, un amigo

2010-01-24T16:12:00.003+01:00

Ha muerto Emilio Cañil, fundador de Discoplay, una de las pocas empresas independientes que han tratado de acercar la música al personal. Y eso desde los años 70. Discoplay tuvo que luchar a brazo partido con las monopolistas de la música en lo que sería una antesala de la actual "guerra de la piratería". La forma en que las multinacionales se fueron contra Emilio y su empresa adquiería formas que hoy nos suenan: Prohibido importar discos más baratos del extranjero incluso aunque dichos discos no estuvieran disposibles a través suyo en España. Este tipo de cosas.

Pero además Emilio Cañil era un gran amigo. Simplemente porque además de afectuoso con quien le caia bien (para lo cual apenas reclamaba un poco de cultura, inteligencia y honestidad) charlar con el era siempre una ocasión única de la cual salías con unas cuantas sentencias para recordar y la idea de que aparte de muy bien amueblada, esa cabeza respiraba sobre todo con cosas como cariño, belleza, lealtad... Un tipo de valores que no son de cambio corriente.

En fin, se le recordará con todo el aprecio y respeto que se merece. Por mi parte, he perdido a una persona a la que apreciaba enormemente. A su persona y a su familia, tan fantástica como el.

Un abrazo Emilio

Vía Limite 16 Especial Década 1 de 3

2009-12-16T19:57:00.008+01:00

Esta noche y como siempre a las 01 (que ya es jueves en España continental)

Vía Límite en Radio Clásica

¡¡¡Podcast!!!

Se acerca el fin de año que también lo es del decenio. Y por uno y otro lado no dejan de verse listas con lo mejor del mismo. Como establecer que ha sido lo mejor me parece algo pretencioso, incluso aunque lo voten lectores, oyentes o bloggers he pensado en afrontar el tema desde otro punto de vista. Lo que he tratado de ver es que géneros, qué estilos o qué músicas ha hecho eclosión significativa estos años o cuales que, viniendo de decenios anteriores se hayan desarrollado plenamente en este. Y dentro de ello escoger un disco significativo. No tengo más pretensiones y estoy seguro que otras listas serán más completas o más afinadas. De lo que si estoy seguro es de que todo lo que va a sonar es bueno música. Esta primera jornada tiene que ver más o menos con el ruido. Habrá dos más

Kevin Drumm Sheer Hellish Miasma 2002 impotent hammer 13.01

Wolf Eyes Burned Mind 2004 burned mind 4.12

Sunn O))) & Boris Altar akuma no kuma 7.52

Philip Jeck Sand 2008 fanfares forward 4,56

Negativland Death Sentences of the Polished and Structurally Weak 2002 pack it up

Chris Watson Weather Report 2004 vatnajökull

Vía Límite 14 Novedades Navideñas 1 de 2

2009-12-02T22:29:00.006+01:00

Esta noche y como siempre a las 01 (que ya es jueves en España continental)

Vía Límite en Radio clasica (Parece que en Novedades 1 no ha querido aparecer, al menos está el 2, por ahora pego el podcast y luego lo haré con los títulos que van)

¡¡¡Podcast!!!

Este y el próximo programa estarán dedicados a novedades. Unas absolutamente actuales y otras recuperadas de lo que ha salido a lo largo del año. Las vías de información en esto de lo experimental no siempre son inmediatas, hay discos que son editados y tardan meses en lograr una difusión crítica... Ese tipo de cosas.

Como fuere, estamos ya en diciembre y se supone que hasta lo más underground quiere estar presente en el mercado navideño, que incluso los sellos y artistas de verdad independientes tienen en cuenta cuando su entregado público tiene las arcas un poco menos vacías.

Roj Stevens The Transactional Dharma meditation on nothingness 3.04

Ben Frost By The Throat killshot 6.11

Pyramids with Nadja id. into the silent waves 10,05

Aoki Takamasa Rn-Rhythm-Variations 05 rn4-09_dl 9.00

Asmus Tietschens Flächen mit Figuren FmF 2 3.23

Alan Courtis & Aaron Moore Brokebox Juke a 21.26

Vía Limite 13 Especial Krautrock

2009-11-25T12:36:00.006+01:00

Esta noche y como siempre a las 01 (que ya es jueves en España continental)

Vía Límite en Radio clasica

¡¡¡PODCAST!!!

Hoy vamos de Krautrock, rock alemán para los españoles. Curiosamente una de las bases ideológicas de la nueva música surgida en Alemania a finales de los años sesenta y principios de los setenta consistía precisamente en crear una alternativa europea al rock anglosajón inspirado a medias por elementos folió de importación inglesa y el blues afroamericano.

Amon Düül mama duul und ihre sauerkrautband spielt auf Psychedelic Underground 1969

Amon Düül 2 Kanaan Phallus Dei 1969

Guru Guru UFO UFO 1970

Ash ra Temple Amboss Ash Ra Tempel 1971

popul vuh dream part 4 Affenstunde 1970

Can Father Cannot Yell Monster Movie 1969

Kraftwerk Ruckzuck Kraftwerk 1970

Vía Límite 12 Especial Conrad Schnitzler

2009-11-18T14:27:00.005+01:00

Esta noche y como siempre a las 01 (que ya es jueves en España continental)

Vía Límite en Radio clasica

¡¡¡Stream!!!

Cosas nuevas

Phil Niblock One large rose Touch Strings

Andrea Naumann Pappelallee 5

Especial Conrad Schnitzler

Desde el principio de Vía Límite uno de los músicos a los que pensaba dedicar un monográfico era Conrad Schniztler (1937 Düsseldorf). De todos los alemanes de la generación del Krautrock, Schnitzler siempre me ha parecido una de las personalidades con mayor visión de futuro pero más en sintonía con su tiempo. El hecho de que no haya parado de hacer música o sonidos en los últimos cuarenta años y que las reediciones se mezclen con los nuevos trabajos o recuperaciones casi arqueológicas de antiguas cintas, produce además una agradable sensación de imprevisibilidad que ayuda a no encasillar a Schnitzler un ningún tipo de género mas que la Mítica Personal, para usar una expresión utilizada por el.

Kluster Klopfzeichen Klopfzeichen 1970

Tangerine Dream Electronic Meditation Genesis 1970

Con 72 Side A (1972-2000)

Con Electric Graden (1978)

Control Control 01 (1981-2009)

Consequenz Kastilien 02 (1980)

Vía Límite 11 Especial Plantas

2009-11-11T23:46:00.002+01:00

Esta noche y como siempre a las 01 (que ya es jueves en España continental)

Vía Límite en Radio clasica

¡¡¡Stream!!!

Maryanne Amacher Tower Sound Caracters 1999.

Keith Fullerton Whitman Dream House Variations

Eliane Radigue Onward

Bernabé Gómez

Especial Plantas

Vamos a hablar de música hecha con plantas. Y como figura de autoridad, traeré aquí un fragmento del Branches de John Cage, un trabajo d 1976 ejecutado con ayuda del Iching y para el que se recomienda el uso de cactus como generadores de sonido. No solo hay cactus en esta ejecución del Daswirdas ensemble en 1999, pero ahí donde se escuchará. Ese es el instrumento dominante

John Cage Branches 1976

Das erste Wiener Gemüseorchester Radioactivität 2006

Michael Prime - nepenthes Borneo

Vía Limite 10 (Radio Clásica) Especial Warp

2009-11-04T11:51:00.011+01:00

Esta noche y como siempre a las 01 (que ya es jueves en España continental)

Vía Límite en Radio clasica

¡¡¡Podcast!!!

Hoy el especial va a estar dedicado a un sello. Mas en concreto a uno de Sheffield, Inglaterra, llamado Warp y que ahora cumple veinte añitos. Para celebrar lo cual, se acaba de editar una caja de 5 cedes y dos sets de vinilos al módico precio de 150 €, mas o menos, aunque algunos de ellos también están disponibles como cedes individuales y sin tanto lujo. Warp es el sello con más responsabilidad en lo que a principios de los 90 nació como IDM, es decir, Intelligent Dance Techno, bajo lo cual venia a significarse una música claramente tecnoide pero cuya base no fuera el 4/4 dominante en el techno-house. Esto fue una variación muy bienvenida y de hecho sentó todo un estilo: electrónica para escuchar en casita sin caer en New Age o músicas planeantes.

Cosas Recientes

Tomutonttu Tomutonto 8 Tomuntonto 4.19
Melvins disp_tx_skel_mach_murx (Fermers Manual Mix) Chicken Switch 5.06

Warp

Autechre Gantz Graf (2002) 3:58
Squarepushser My Red Hot Car (2001) 4,18
Aphex Twin Bucephalus Bouncing Ball' Come To Daddy (1997) 5:45
Seefeel Acrobat (Original by Maximo Park) 4:02
Flying Lotus Tronix 3,43
Plaid Dett 5,12
Infiniti Loops
LFO LFO (Warehouse Mix) Frequencies 1991 3,26

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MARYANNE AMACHER 1938 -2009

2009-11-03T03:14:00.004+01:00

Hace unos días algunos foros y periódicos ofrecían la mala noticia de la muerte de Maryanne Amacher, compositora y artista sonora muy respetada pero también muy poco escuchada.

Con muy escasas grabaciones de su trabajo, la única oportunidad que durante años tuvimos de oírla fueron un puñado de grabaciones que ahora guardaremos como oro: Los dos discos que nos ha dejado en la serie Composer de Tzadik, 4 temas para los recopilatorios de la serie Drones de Asphodel, un extracto de una de sus series más alabadas durante la década de los ochenta para el recopilatorio OHM y otro extracto que Nic Collins rescato de un festival que monto en 1988 en el Kitchen y que llevaba un inspirado titulado: Imaginary Landscape, allí tocaron Monahan, Kuibila, Voice Crack, Blue Gene Tyranny...

Amacher ha sido una de esas compositoras enormemente preocupada por las posibilidades del sonido y su recepción, Kyle Gann se refería a la escucha de Maryanne Amacher como una experiencia y no como una simple audición. Una forma de entender la música, mas perceptiva y que premiaba al oyente dándole la posibilidad de poder interactuar con aquello que le rodeaba. Los adjetivos que uno encuentra, traspasan el umbral sonoro para acercarse a expresiones como oceánico o arquitectónico.

No es fácil hablar de una autora que no se ha podido tener la oportunidad de escuchar in situ, en directo o instalación. Como bien expresaba ella, la música grabada no le ofrecía la posibilidad de poder establecer un recorrido espacial, donde poder jugar con el tiempo y la sincronía de lo que sucedía en diferentes lugares. Alan licht en el año 1999 conversó con ella con motivo de su primera obra para Tzadik y comentaba, esta ilusión de contener una grabación, con una frase mítica de Orson Welles en dialogo con Peter Bogdanovich "El problema de las películas es que ellas están enlatadas, vienen en latas! Ninguna cosa que venga en una lata podra estar muy fresca".

Tratare de hablar de lo poco que he oido y me centrare en las dos grabaciones que realizó para Tzadik. Dejaré algunos enlaces para que se puedan leer opiniones de gente que si la pudo oír en instalaciones y directos. No debemos pasar por alto, que esta mujer lleva desde los años sesenta realizando instalaciones sonoras y colaborando e influenciando a parte de la gente con más inventiva del panorama norteamericano: de Cage a Chatham o de La Monte Young a Glenn Branca.

Su primera grabación para Tzadik intenta demostrar una de sus más interesantes teorías, aquella que habla del tercer oído o la tercera escucha como queramos traducirlo. La forma que tiene de crear y modular el sonido, tanto en tono como en forma hace que el oído sea estimulado, de esta manera tenemos la sensación de que es nuestro oído quien emite parte del sonido, la resonancia creada en nuestro tímpano y huesecillo ayudan a que el pabellón auricular mediante pequeñas vibraciones y microtonos transformen el sonido en algo diferente y ajeno a lo creado por la artista, produciendo una obra en cada uno y en cada escucha. Algo bello y rítmico. Algo que el mameluco de Thurston Moore no lograra disfrutar en su vida:

:_)

La segunda referencia para Tzadik, una de las obras clave del año pasado, representaba el sonido de una instalación multicanal 3D de 36 altavoces que realizó para la plaza que da al exterior del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de Mexico. Su obra formaba parte a su vez de un conjunto de instalaciones que 12 artistas sonoros habían creado para ese lugar, cada obra sonaría dos horas. La grabación de Amacher se componía de sonidos extraídos del interior de las grutas que había en la Pirámide del Sol en Teotihuacan. Armada con sensores, micrófonos y un puñado de físicos que investigaban el poder de los rayos solares en el interior de la milenaria pirámide, Amacher consigue transportar la sensación interna de la edificación: creando una atmosfera tenebrista. Al limitar la escucha a un plano estéreo, la complejidad de las voces hace que lo oído sea más compactado. La utilización de un banjo, en la última parte de la obra, nos permite que el drone se apodere del sonido, instalando una sensación muy cercana a lo visionario; todo lo que era oscuro en la primera grabación consigue hacer que salga al luminoso exterior en la última.

Nunca vino a España. Si algún día vamos a Teotihuacan deberíamos mirar fijamente al sol, seguro que conseguimos oírla una vez más.

Comentarios sobre instalaciones y conciertos:
+ Tom Johnson: Distant Sounds of Maryanne Amacher. December 15, 1975
+ Tom Johnson: Maryanne Amacher at the Kitchen. June 20, 1977
+ Tom Johnson: New Music America takes over a town. June 25-July 1, 1980

Textos de Amacher:
+ Interesante texto de Amacher y la relacion del sonido en Ballard
+ Maryanne Amacher sobre su experiencia en Teotihuacan
+ Diagramas para la obra TEO!
+ Maryanne Amacher Music for sound joined rooms

Vía Limite 9 (Radio Clásica) Especial Steve Reich

2009-10-28T18:21:00.007+01:00

Esta noche y como siempre a las 01 (que ya es jueves en España continental)

Vía Límite en Radio clasica

¡¡¡PODCAST!!!

(Por cierto, ya está el podcast de Guitarras. Un poco más abajo)

El próximo martes, 3 de Noviembre, Steve Reich actúa junto a Bang On A Can en el Reina Sofía de Madrid. Con tan fausto motivo tevimos una entrevista en la cual le pedí que comentara las piezas del programa. Como Reich es encantador se prestó de lo más gustoso.

Este es el orden que usamos para hacer el repaso

Piano Phase (1967) 15’-21’
for two pianos - can also be played on two marimbas
published by Universal Edition ( London ) (esta es una versión especial con una Video Phase)

Clapping Music (1972) 3’-5’
two musicians clapping
published by Universal Edition (London)
both musicians amplified

Music for Pieces of Wood (1973) 7’-10’
for five pair of tuned claves
published by Universal Edition

Sextet (1984) 28’
for percussion and keyboards
2pft(3players).2elec.pft(synth)—perc:2vib(bowed)/3marimba/tam-t/
click sticks/2BD/crot (+ amplification)

New York Counterpoint (1985) 11’
for amplified clarinet and tape,
or 11 clarinets(8 clarinets, clarinet (=bass clarinet), 2 bass clarinets)

Electric Counterpoint (1987) 15’
for electric guitar or ampliied acoustic guitar and tape
Amplified Guitar soloist and tape, or guitar ensemble. Ensemble consists of 12 guitars and 2 electric bass guitars

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Vía Límite 8 Radio Clasica Guitarras

2009-10-21T12:01:00.006+02:00

Via Limite 08

Como todos los miércoles por la noche, es decir, a la 01am del Jueves

¡¡¡ Podcast !!!

Lydia Lunch & Jacob Kierkegaard Forget To Breathe Amnesia
Francisco López Masedera de Qal'at Abd'al-Salam Through The Looking glass

Especial Guitarras

Al menos a partir de Jimi Hendrix, la guitarra eléctrica se mostró como un vehículo adecuado para experimentaciones extremas. Pero antes incluso de Hendrix, músicos como Keith Rowe (sobre quien Miguel Álvarez Fernández ha hecho un magnífico Ars Sonora) comprendieron que la guitarra eléctrica estaba para algo más que para imitar las guitarras acústicas. Así, el instrumento estandarte del rock, se ha convertido en generador de sonidos literalmente inauditos. Algunos ejemplos que suenan en este programa son AMM, Fripp&Eno, Glenn Branca o los Four Gentlemen of the Guitar.

Jimi Hendrix EXP Axis, Bold as Love (1967)
AMM Later during a flaming Riviera sunset AMMMusic (1966)
Fripp Eno Live 1975
Glenn Branca The Ascension (1981)
Four Gentlemen Of The Guitar Perfect Grass Cloud (2005)

Vía Límite 7 Radio Clasica RNE El Recuerdo

2009-10-14T10:26:00.007+02:00

Como todos los miércoles por la noche, es decir, a la 01 de la madrugada.

¡¡Podcast!!

Por regla general procuro no elegir piezas larguísimas para el programa, más que nada porque considero la radio como una mezcla de información y pura escucha. Pero los terrenos que cruza Vía Límite no solo contienen pequeñas maravillas, obras de arte de tres minutos, que diría Ellington (cuando eso era lo que permitía la grabación en baquelita), sino otras músicas que exigen lo que la gran Pauline Oliveros denominó “deep listening music”, música de escucha profunda que, por regla general tiende a desenvolverse en largos periodos de tiempo. Esa extensión se presenta no solo en la música de Oliveros o conmilitones como David Gamper o Stuart Dempster, sino en muchas otras variantes musicales, desde el reduccionismo de un Radu Malfatti a lo que suele conocerse como ambient. O la misma electroacústica.

Visto esto, he pensado que cada ciertas semanas debía poner en toda su extensión algunas piezas largas aunque sean tres o cuatro, a ser posible con algún hilo conductor. El que he elegido se debe, entre otras razones, aque últimamente han salido varios discos importantes en torno a el. Se trata de el Recuerdo y sus acompañantes la Melancolía, el Decaimiento, la Pérdida, la Nostalgia. Palabras que suelen relacionarse con el Romanticismo... ¿O estamos más allá?

El Recuerdo

Brian Eno Lantern Marsh On Land 1982

GAS Nº 4 Königsfrost 1999

A Broken Consort A sundering path Box of Birch (2009)

William Basinski 2 92982 (2009) (en el programa le llamo Richard al bueno de William. Excuses)

The Caretaker Memory 72 Theoretically Pure Anterograde Amnesia (2006-2009)

Vía Límite 6 Radio Clasica RNE Robert Wyatt

2009-10-07T08:21:00.008+02:00

Como todos los miércoles por la noche, es decir, a la 01 de la madrugada.

¡¡Podcast!!

Hoy tenemos como tema al gran Robert Wyatt. La edición de sus Experimentos en Roma de 1981, una novedad inesperada da buen pié para seguir un poco el trayecto experimental de este hombre. Pero debo recordar que Wyatt ha insistido una y mil veces que el se mueve en un entorno pop. Sucede que hoy y quizás a diferencia de hace unos años, en el pop se producen experimentos y búsquedas ni más ni menos exigentes que los que se escuchan en otros terrenos.

Medio Novedades

Esplendor Geométrico Japo Pulsión
Nisennenmondai Miraabouru Destination Tokio
OOIOO Agacim Armonico Hewa

Robert Wyatt

The Soft Machine Fire Engine Rassing With Bells Clanging (Reprise) Volume 2 (1969)
Matching Mole Gloria Gloom Little Red Record (1972)
Robert Wyatt Little Red Riding Hood Rock Bottom (1974)
Robert Wyatt 5 Black Note, 1 White Note Ruth Is Stranger Than Richard (1975)
Robert Wyatt The Animals Film (1981)
Robert Wyatt Fragment Comicopera (2007)
Robert Wyatt Opium War Radio Experiments in Rome (1981) (2009)
Robert Wyatt Holy War Radio Experiments in Rome (1981) (2009)

2009-10-03T19:47:00.005+02:00

Jim O’Rourke

The Visitor

Drag City 2009

Largo hiato para el señor O’Rourke, que nos tenía esperando un disco bajo su nombre propio desde 2001. Tiempo ha tenido para seguir con sus múltiples colaboraciones, producciones y hasta dedicarse al cine.

Pero llega el momento de un nuevo disco. “The Visitor” es otro eslabón en su discografía, digamos, pop. Reúne un poco el legado de los anteriores trabajos, pero nos recuerda especialmente al maravilloso “Bad Timing” (1997), completamente instrumental disco y se mostraba como homenaje de la escena de Chicago a John Fahey. Un disco de tradición folk, concretamente de la escuela Takoma, aderezado por el lado experimental de un miembro de Gastr del Sol y que a su vez, se nutría de elementos electrónicos y una imaginación en los arreglos que emulaba a Van Dyke Parks (en sintonía con el “Hawaii” (1996) de High Llamas).

Fran Martínez

Así de camaleónico y complejo se presenta en esta nueva entrega: un solo corte de 38 minutos sirve como el lugar donde engarzar todas las migajas desperdigadas durante su trayectoria, con la sensación de estar ante un resumen vital, como si de una banda sonora se tratase. Entre pieza y pieza, hilvana con la templanza de su guitarra o con delicados apuntes jazzisticos al piano que nos acaban conduciendo a una diversidad de coloreadas estampas conducidas por banjo y piano, pequeñas viñetas eléctricas, delicadas filtraciones de ruidos electrónicos o cambiantes bases rítmicas.

El disco te va dejando recuerdos de sus trabajos anteriores por la facilidad de entrelazar estilos. La memoria nos asalta cuando toma un cariz más bossa en algunos momentos, que recuerda a "Ghost Ship in a Storm"; momentos Bacharach como en "Please Patronize our Sponsors" del "Eureka" o con toques orquestales sorpresa como el de aquel "Happy Trails" de "Bad Timing". Todo un recorrido, salteado con lo que ha venido siendo sello de identidad del art-pop made-in Chicago desde los noventa (Sea & Cake, Tortoise, Stereolab,…).

Todo ocurre de manera pausada y templada, casi como una composición minimalista de Terry Riley, Steve Reid o como si fuera una obra compuesta de varios movimientos. “Visitor”, no es solo un disco que te deja pastar a la deriva por la extensión de un corte: es un recorrido colorista y permeable a todo tipo de melancolía, dando lugar a diversos estados de ánimo o lecturas, que nos regala como viejo zorro.

Posiblemente, la única pega que se podría poner es la ausencia de su voz tan titubeante y sosegada, pero el disco te deja la impresión de ser una obra única, donde todo está en su lugar apropiado. Jim O, sigue siendo un icono de la cultura americana en este hermoso y maravilloso disco, aunque viva en Tokyo.